Выставка «Человек и его ландшафты» из собрания Московского музея современного искусства и Национального художественного музе РС (Я) работает последнюю неделю. Успейте посетить до 18 июля 2022 г. по адресу: ул. Кирова, 9, I этаж. Справки по тел.: 8 (4112) 33-52-79

Экспозиция выставки обращается к теме видимых и воображаемых пространств, с которыми взаимодействует и ассоциирует себя человек. Она посвящена его связям с реальными окружающими его ландшафтами и абстрактным представлениям о мире: снам, видениям, фантазиям и воспоминаниям. Предлагаем ознакомиться с десятью произведениями из выставки:

 

Ирина Старженецкая. Род. 1943

ЧЕТВЕРО В САДУ

Холст, масло

 

Ирина Старженецкая принадлежит к поколению семидесятников. Она обучалась в МГАХИ им. В.И. Сурикова в 1960-х годах у таких выдающихся художников-педагогов, как Дмитрий Жилинский и Алексей Грицай. Главное в произведениях Ирины Старженецкой – перевод эмоций, чувств, переживаний на язык цвета и линий, увлечённость стихией самой живописи. Её произведения часто кажутся эскизной скорописью – экспромтами, фиксирующими мимолётные впечатления от реальности. Цвет почти теряет связь с формой, становится освобождённым носителем идеи – возникшего в душе отклика на произошедшее «вовне» события.

Картина с предельно конкретным названием «Четверо в саду» представляет собой кадрированную композицию с очень бегло намеченными фигурами. Они близко от нас, у самой границы холста, но, не различая лиц, мы воспринимаем только их оживлённость, восторг и ликование. Пейзаж изображён столь же условно, и трудно понять, не то люди радуются небу и саду, не то сад «озвучивает» их состояние, близкое счастью.

 

Елена Елагина. Род. 1949

КОМПОЗИЦИЯ

Бумага, смешанная техника

 

Ученица Эрнста Неизвестного и Алисы Порет, Елена Елагина – художника, представляющая школу московского концептуализма. В своей практике – зачастую в совместных проектах с Игорем Макаревичем – она исследует мистические аспекты мифологии советской реальности.

«Композиция» из коллекции музея отсылает зрителя к проекту «Железная муха», осуществлённому Елагиной совместно с Игорем Макаревичем. Наследующий мифологии Ильи Кабакова, выстроенной вокруг сакрализации фигуры мухи, он состоял из вырезанных металлических объектов, которые повторяли силуэты насекомых. В небольшой графической работе из собрания музея этот образ появляется вновь, обрастая набором символических элементов, которые функционируют как сакральные атрибуты тайного знания и предъявляют своего рода криптографию чуда.

 

Сергей Шаблавин. Род. 1944

ПЕРЕСЕЧЕНИЕ ВЕКОВ. 1997

Холст, масло

 

Сергей Шаблавин – художник-самоучка с образованием физика-кибернетика. Свой путь в искусство он начинал, по собственным словам, почти в полной изоляции, обращаясь к исследованиям конструктивистов. В начале 1960-х он был увлечён абстрактной живописью, а к 1970-м был уже знаком с московскими концептуалистами.

Шаблавин давно проводит профессиональные исследования в области оптики, что отражается и в его живописных работах, таких как «Пересечение веков». На абстрактном светлом фоне размещён большой круг – своеобразная линза, позволяющая различить очертания речной долины, увиденной как будто с большой высоты. В центре большого круга можно видеть еще более чёткий фрагмент пейзажа, сфокусированный новой линзой меньшего диаметра. Разная степень резкости изображения свидетельствует о наличии нескольких оптических уровней внутри пространства картины, тем самым, возможно, и нескольких временных модусов, на что указывает и само название произведения.

 

Александр Ней. Род. 1939

ЛЕСНОЙ ЧЕЛОВЕК. 2008

Терракота, инкрустация

 

Александр Ней родился в довоенном Ленинграде, а его детские годы выпали на тяжёлое время блокады. В 1957–1959 годах он учился в Москве в художественной школе при государственном академическом институте им. Сурикова, а затем вернулся в родной город, чтобы продолжить образование в Институте имени И.Е. Репина. До переезда из СССР во Францию Ней преимущественно преподавал и работал декоратором. Не принимая таких терминов, как «нонконформизм» и «андеграунд», Ней всегда держался в стороне от любых художественных объединений.

Создавая объекты из терракоты, художник будто погружается в некий медитативный процесс, во время которого он вручную наносит на поверхность скульптуры множество отверстий, напоминающих зрителю то ли об изысканных кружевах, то ли о таинственных письменах погибших цивилизаций. Работа из коллекции ММСИ, отсылающая зрителя к образу затворника и отшельника, становится археологическим артефактом, фрагментом прекрасного и недостижимого мира, который, возможно, исчез безвозвратно или лишь ждёт своего рождения.

 

Евгений Антуфьев. Род. 1986

БАБОЧКА. ИЗ СЕРИИ «ХРУПКИЕ ВЕЩИ». 2016

Бронза

 

Евгений Антуфьев – выпускник Института проблем современного искусства (ИПСИ), лауреат Премии Кандинского и один из самых востребованных российских молодых художников на западе. Неотъемлемые свойства его творческой манеры – особая хрупкая пластика скульптур и объектов, артефактов и инсталляций, искусная, изысканно ироническая рукотворность и работа с мифом, который варьируется от проекта к проекту, но сохраняет одну и ту же основу – интереса к смерти и вечной жизни, к работе времени и бесконечности.

«Бабочка» является частью серии «Хрупкие вещи», который сам также является частью другого проекта – под названием «Вечный сад», посвящённого Владимиру Набокову и впервые реализованного в рамках Манифесты 11 в 2016 году. В период работы над ним Евгений Антуфьев поселился в гостиничном номере, который на протяжении многих лет занимал писатель, и сфокусировался на знаменитом интересе Набокова к лепидоптерологии. Занимая особое место в культурной истории человечества, образ бабочки, выбирающейся из кокона, чтобы взлететь, ассоциируется с цикличностью жизни, воскрешением и перерождением, а вместе с тем представляет собой и архетипический, универсальный символ бессмертия.

 

Валентина Васильева. Род. 1950

ПАННО «ОЗЕРО ЛАБЫНКЫР». 2009

Сукно, бисер, шитье, вышивка бисером, лоскутная мозаика, кыбытыы

 

Одним из традиционных способов лоскутной мозаики народа саха является шитьё с использованием технологии «кыбытыы» (вставка из третьей ткани). До сих пор сохраняется традиция создавать одеяла, покрывала, ковры и другие изделия с использованием этой техники. Народные мастерицы, впитывая и вдохновляясь красотой и гармонией окружающего мира, с ранних лет начинают изучать и создавать произведения, выполненные этой особой технологией лоскутной мозаики. Каждый кусок изделия сшивается вручную. Композиция орнаментального изображения строится сообразно с определённой декоративной системой в зависимости от желаемого эффекта.

По словам мастерицы Валентины Васильевой, она создала панно «Лабынкыр», вдохновившись мистической легендой о древнем существе, которое обитает в озере. До сих пор не разгадана тайна природы, сохраняются лишь словесные воспоминания местных жителей. Скорее всего, поэтому мастерица выбирает не вписывать легендарное животное в центр композиции, и не дает ему никакого физического облика. В самом центре мы видим пейзаж, где живая природа почти превращается в абстракцию из пятен и линий. О неизвестном мифическом существе напоминают нам зооморфные фигуры, исполненные бисерной вышивкой, и размещённые параллельно ландшафту озера. Непостижимость параллельных миров, где обитают легендарные существа, усиливается треугольным орнаментом, которое разделяет композицию на три части, вторя ритму горных цепей.

 

Василий (Сэксэй) Парников. 1935–2000

УДАГАН. 1992

Бумага, цветная литография, акварель

 

Творчество Василия Парникова близко народному искусству и фольклору. В 1955 году окончил Рижское художественно-ремесленное училище полиграфистов, а в 1967 – факультет художественно-технического оформления печатной продукции Московского полиграфического института, где его учителем и наставником был А.Д. Гончаров. Его первые шаги в искусстве были сделаны в области книжной графики и плаката. Причём как плакатист он быстро завоевал достаточно прочную популярность в среде художников-дальневосточников. В 70-е годы Парников увлекается станковой графикой. Его рисунки, литографии, акварели, легко узнаваемы: на малых по размеру листах свободно вырисовываются изящные абрисы предметов, проступает причудливый орнамент, тонко гармонируют между собой светлые пастельные тона. Опыт плакатиста сказывается в лаконичности языка, в плоскостной трактовке пространства, в преобладающей роли контура. Стилистика работ художника исходит из народного фольклора в его наиболее архаичной форме.

 

Семён Прокопьев. Род. 1949

СВЕЖИЙ ВЕТЕР. 1998

Дерево, тонирование, резьба, шлифовка

 

Семён Прокопьев принадлежит к поколению, прославившему скульптуру Якутии в конце XX века. Его творчество носит ярко выраженный гуманистический характер, поднимая проблемы Добра и Зла, вопросы бытия и мироздания. Он обращается к пластике малых форм, отдавая предпочтение дереву, позволяющему придать камерную интонацию изображённому мотиву. Скульптор понимает и чувствует особенности материала, который позволяет ваять, строить форму в расчёте на силуэт, полировать или сохранять естественную поверхность, выявляя его пластические возможности, текстуру и форму.

Автор, обращаясь к теме природной стихии в работе «Свежий ветер», раскрывает материал дерева в ее легкой, невесомой форме. Художник сумел уловить дуновение воздуха и сосредоточить ее вокруг композиции через плавные, перетекающие линии и чуть заострённые концы центральной фигуры, в которых движение ветра улавливается и растворяется в пространстве. Симметричность силуэта всей композиции подчёркивает гармонию между человеком, который изображён в виде антропоморфной фигуре посередине, и природой. Человек радуется ветру, вознеся ладони к небу, будто бы благословляя мир на процветание.

 

Николай Курилов. Род. 1949

МОЯ РОДИНА – ТУНДРА! 2003

Бумага, шариковая ручка

 

Николай Курилов родился в местности Малое Улуро на севере Якутии, в семье оленевода и охотника. Он уехал из дома и поступил в Красноярское художественное училище, чтобы обучаться на художника. Там, вдалеке от родных мест, художник впервые обратился к пейзажам Крайнего Севера. Как писал сам Николай Курилов, он это делал «от тоски по дому, по тундре».

Тема тундры поистине неисчерпаема в пейзажах Курилова. Это и ослепляющее солнце полярного дня, когда все окружающие превращается в волшебный мираж; это золото Олерской тундры осенним вечером, это многоцветный ковёр цветущей земли, и это же – синее ледяное облако, тяжело нависшее над холодным озером ранней весной. В мягких штрихах композиции «Моя родина – тундра!» чувствуется то, как трепетно художник относится к родной природе. Речной пейзаж севера мягко расстилается по пространству рисунка. Человеческая фигура обращена лицом к реке – она в полу медитативной позе сливается с окружающим миром настолько, что птицы доверительно летят рядом, не ожидая от человека какой-либо опасности.

 

Сардаана Иванова. Род. 1964

УХОДЯЩАЯ НАТУРА. 2011

Бумага, компьютерная графика, печать

 

Выросшая в семье Владимира Иванова – известного графика и сценографа, заслуженного деятеля искусств Республики Саха – Сардаана Иванова с детства впитала красоту линий, энергию штриха и звучный спектр цвета. Она принадлежит к поколению авторов «новой творческой волны», начавших работать в 1990-е годы – во времена интенсивных поисков оригинальных средств самовыражения. Молодые художники в своих произведениях начинают активно использовать условный язык, иносказание, образы и метафоры. Увлекаясь этническими традициями, они смело сочетают их с опытом мирового искусства. В своих художественных практиках Сардаана часто обращается к древним национальным символам и мотивам через оптику новых технологий.

В своей работе «Уходящая натура» Сардаана даёт пространство для размышлений о природе времени. Полупрозрачные слои композиции, растворяясь друг в друга, создают новое измерение, где всё существует одномоментно, но будто одно дуновение воздуха может сдуть или пейзаж настоящего, или образы прошлого.